Artista múltiplo, Smaïl Kanouté é designer gráfico, dançarino e serigrafista de origem maliana, nascido em Paris em 1986 e diplomado pela Escola Nacional Superior de Artes Decorativas de Paris. Com diferentes formas de expressão, renova os códigos visuais e estéticos da dança. Atua também no universo da moda. Costuma se apresentar como um coreo-grafista, já que a dança e o grafismo são indissociáveis em seu processo criativo. Suas obras pictóricas são reconhecidas pelos padrões expressivos, uma espécie de alfabeto moderno e abstrato que ele traz à vida através de seu próprio corpo.

No programa estão reunidas cinco obras: “Never 21”, “Yasuke Kurosan, le samourai noir au Japon”, “Jidust – Pousière d’eau”, “Univers” e “Never Twenty-One”. 

NEVER 21 (7min)

Ecoando a hashtag # Never21 do movimento Black Lives Matter, Smaïl Kanouté homenageia, por meio da dança, as jovens vítimas de armas de fogo em bairros pobres e discriminados de Nova York, que morreram antes dos 21 anos. Por meio de depoimentos de vítimas do sistema de venda de armas, um jovem dançarino grita sua raiva, a perda de seus entes queridos, sua prisão neste círculo vicioso que o empurra a brincar com sua vida. Torna-se a cicatriz dessas vidas sacrificadas, de suas memórias, de suas palavras gravadas para sempre nesta maldição do número 21.

A obra é codirigida por Smaïl Kanouté e o ex-coletivo RACINE (Henri Coutant e Kevin Gay).

YASUKE KUROSAN, LE SAMOURAÏ NOIR AU JAPON (15min)

Curta-metragem inspirado na vida de um escravo africano que chegou ao Japão no final do século 16 e alcançou o status de Samurai. A escrita coreográfica narra a metamorfose do corpo curvado do escravo ao corpo ereto e orgulhoso do samurai, criando o encontro entre a dança africana e a arte do Bushido (o código de honra dos samurais). Aborda o impacto do colonialismo e a persistência de ritos ancestrais como afirmação de identidade. Por meio de ritos, cerimônias dançadas, visitas a lugares espirituais e simbólicos, Smaïl Kanouté se inspira no aikido, no bushido, na cerimônia do chá ou mesmo no Butoh para explorar a dança, a energia e o estado de espírito.

Correalizado por Smaïl Kanouté e Absou Diouri

Filmado por Abdou Diouri

JIDUST – POUSIÈRE D’EAU (3:05min)

Solo aquático e luminoso em que o bailarino estabelece um corpo a corpo com a parede interativa desenvolvida pelo artista-designer Antonin Fourneau. A parede, "Waterlight Graffiti", é composta de milhares de LEDs e acende quando é tocada pela água.

Direção: Kevin Gay (RACINE Collective)

Música: Alan Gay

UNIVERS (3:27min)

Prêmio de Melhor Performance Hip Hop no URBAN FILM FESTIVAL 2016, os movimentos de Samïl Kanouté revelam os desenhos nessa caixa preta criada pelo artista Philippe Baudelocque, explorando diferentes danças para celebrar a criação.

Direção: Kevin Gay (RACINE Collective)

Música: Matthias Zimmermann

NEVER TWENTY-ONE (6min)

Espetáculo que vem sendo apresentado pelo bailarino, em homenagem aos jovens vítimas de armas de fogo em bairros pobres e discriminados de Nova York, Rio de Janeiro e Joanesburgo, mortos antes de completarem 21 anos. Em um ambiente urbano marcado pelo xamanismo e baseado em relatos reais, três dançarinos ressuscitam as palavras / males das vítimas e suas famílias. Por meio de seus corpos que se tornaram esculturas gráficas, superfícies de expressão e reivindicação, objetos de resiliência e memoriais como espíritos errantes, eles falam sobre essas vidas roubadas, dilaceradas e sacrificadas. Indo do krump à onda, do novo estilo ao tribal, diferentes energias vêm e animam os corpos para fazer o invisível aparecer e nomear o indizível.

Direção: Thomas Estournel

Coreografia: Smail Kanouté

Dançarinos: Aston Bonaparte, Jérôme Fidelin e Smail Kanouté

Pintura corporal: Lorella Disez

Vista externa: Moustapha Ziane

Cenógrafo e designer de iluminação: Olivier Brichet

Designer de som: Paul Lajus

Figurinos: Rachel Boa e Ornella Maris

Produção: Cécile Pouységur

Difusão: Dirk Korell

Produção: Company Live!

Coprodução: Oficinas Medici - Clichy sous Bois

Duração: 34min

Classificação indicativa: 12 anos

Através do uso delicado e original das plataformas digitais, Mauro "Malicho" Vaca escava sua biografia pessoal e ao mesmo tempo a biografia de sua cidade, numa memória recente e ao mesmo tempo com cicatrizes profundas. Um ensaio documental que utiliza plataformas digitais como Google Earth, Google Maps e Zoom, além de material de arquivo, para construir um panorama de sua vida, seu aprendizado e de quebra um pouco da história recente do Chile. Com um tom sensível, político e íntimo ao mesmo tempo, Mauro questiona: o que acontecerá com nossas pegadas quando já não estivermos aqui? Nossas vozes permanecerão nas ruas numa pasta de memória externa? Que relato o Google contará de nós? Poderemos voltar a nos encontrar, nos tocar, evocar juntos a realidade que queremos? 

O espetáculo será apresentado ao vivo, em tempo real, na estreia, e ficará gravado para a visualização nos três dias posteriores.

Participe da sessão do dia 2/7 que será ao vivo na plataforma Zoom.

Inscreva-se antecipadamente aqui:

https://us02web.zoom.us/meeting/register/tZcofuyvqjsiG9KIHVTs_z6bv0lvfulqcbn0

Após a inscrição, você receberá um e-mail de confirmação informando como entrar na reunião. E depois da sessão, teremos um encontro com o criador de Reminiscencia.

Venha!

COMPAÑIA LE INSOLENTE TEATRE - Criada em 2013, com a estreia do espetáculo “Bolero de almas perdidas”. Formada por Malicho Vaca e Ébana Garin, já concebeu e apresentou seis montagens, que trabalham o cruzamento de disciplinas artísticas com noções de memória, corpo, território e dissidência.

Autor e intérprete: Mauro Vaca

Duração: 50min

Classificação indicativa: Livre

Segunda temporada da série apresenta 12 vídeos que passeiam por diferentes temas que dialogam com dramas e questões do mundo da primeira infância. Os vídeos, concebidos pela atriz e diretora Clarice Cardell, utilizam a manipulação de objetos e uma trilha sonora original criada por Lupa Marques e Jota Dale, para construir uma narrativa poética criando um mundo de significados imagéticos e musicais. A dramaturgia é construída pelos objetos, sons e interpretações dos artistas e se estrutura de forma a manter espaço para a livre imaginação dos bebês. A série integra o Canal Bebe Lume, um canal online (www.bebelume.com.br) dedicado a exibir conteúdo audiovisual de qualidade para a primeira infância, como alternativa dentro do espectro visual que tem dominado o ambiente web para a infância. A realização da série foi patrocinada pelo Fundo de Apoio à Cultura do Distrito Federal.

CLARICE CARDELL - Diretora e atriz de teatro, responsável por La Casa Incierta, companhia teatral que nasceu na Espanha e que se tornou referência na produção de espetáculos para bebês. Clarice acumulou 20 anos de experiência com esse público. É idealizadora do Festival Primeiro Olhar e programadora de mostras no Brasil e no exterior. Também é uma militante por políticas culturais para a primeira infância e foi ganhadora do Prêmio Internacional Alas-BID, oferecido pelo Banco Interamericano de Desenvolvimento para projetos que buscam melhorar a primeira infância na América Latina e Caribe.

Roteiro e Direção:  Clarice Cardell

Direção de Imagens: Marcelo Barbosa

Assistência de Fotografia e Still: Juliana Caribé

Iluminação: James Festenseifer

Consultoria Psicanalítica: Inês Catão

Montagem: Edu Viana

Direção de Arte: Sarah Noda

Produção de Objetos: Maísa Donnini

Assistente de produção de objetos: Jean Gonzaga

Trilha Original: Lupa Marque e Jota Dale

Manipulação de objetos e Interpretação: Clarice Cardell, Gabriel Guirá e Lupa Marques

Produção: Leonardo Hernandes

Realização: Bebelume Produções Ltda

Duração: 35 min

Classificação indicativa: 0 a 5 anos

Projeto que vem sendo trabalhado desde 2018, acompanhando as diversas mudanças pelas quais os dois países passaram. As paisagens sonoras e visuais desta performance falam de gestos de reconciliação: entre Portugal e o Brasil, entre Europa e as Américas, entre o progresso e o clima, entre pais e filhos, entre um homem e uma mulher, entre um negro e um branco, com o passado, com o que (ainda) não nos aconteceu, com o presente, conosco.

Reconciliação compreendida não como entendimento ou compreensão entre partes que haviam rompido entre si, e sim como tentativa de aceitação de limites. Reconciliar-se com as próprias limitações, elaborar a capacidade de conviver com as diferenças. Em cena, um combate entre dois seres humanos que não tem fim, sem possibilidade de (re)encontro. Uma tensão crescente inspira violência, mas denuncia o desejo de tréguas e de uma conclusão. 

PATRÍCIA PORTELA – Autora portuguesa, escreve para teatro e obras literárias e vive entre Paço de Arcos, Viseu, Antuérpia e Portugal. É formada pela Escola Superior de Teatro e Cinema de Lisboa, com mestrado em cenografia e dramaturgia do espaço pela Universidade Utrecht e pela Central St. Martins College of Art, de Londres. Pós-graduada em teatralidade e performatividade pelo Arts Performance and Theatricality de Antuérpia, com mestrado em filosofia pela Universidade de Luven. Está concluindo doutorado em artes e multimídia pela Faculdade de Belas Artes de Lisboa. Sua obra já recebeu diversos prêmios. É autora de vários romances e novelas como “Para cima e não para Norte” (2008), “Banquete” (2012) e “Dias Úteis” (2017). É diretora do Teatro de Viseu.

ALEXANDRE DAL FARRA – Dramaturgo, diretor e escritor brasileiro, doutorando pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Cênicas da ECA/USP e mestre pelo Departamento de Letras Modernas da Faculdade de Filosofia, Letras e Ciências Humanas da USP. Venceu ou foi indicado diversas vezes a todos os principais prêmios do teatro brasileiro, como Shell, APCA, Questão de Crítica, Aplauso Brasil. É autor de peças como “Abnegação I” (prêmio APCA, encenada na França), “Abnegação III – Restos” (prêmio Aplauso Brasil, encenada em Buenos Aires) e “O Filho” (APCA). Em 2013, lançou o primeiro romance, “Manual da Destruição”.

Direção, dramaturgia e textos: Alexandre Dal Farra & Patrícia Portela

Performers / co-criadores: Célia Fechas, Clayton Mariano

Convidado: Nicolas Fernando de Warren

Composição musical e interpretação: Gabriel Ferrandini

Banda sonora glaciar: Sérgio Hydalgo

Cinematografia: Leonardo Simões (em Portugal); Otávio Dantas (no Brasil); Patrícia Portela (na Bélgica)
Edição vídeo: Tomás Pereira e Patrícia Portela

Gravação e edição de som: Kellzo (Célia), Hélder Nelson (Gabriel Ferrandini)

Apoio à produção: Sérgio Hydalgo

Pós-produção: Irmã Lucia Efeitos Especiais

Produção: Associação Cultural Prado

Coprodução: FITEI

Apoio: Dgartes/MC

Distribuição e produção América Latina: Metropolitana Gestão Cultural - Carla Estefan

Agradecimentos: Diego Aramburo, Patrícia García,Zoë Portela De Boeck, Mónica Coteriano

Duração: 60min

Classificação indicativa: 12 anos

Depois de passar meses isolada (ela é uma palhaça consciente) e com muita saudade do palco, a atriz Ana Luiza Bellacosta resolveu exercitar as técnicas de comicidade e palhaçaria que ela vem pesquisando há vários anos. E foi assim, transpondo a linguagem presencial para o ambiente virtual, investigando os aplicativos de edição e buscando autonomia criativa que surgiram os esquetes agrupados em “Uma palhaça confinada”. Neles, Ana Luiza transgride o uso convencional de objetos domésticos e extrai humor de situações corriqueiras. 

ANA LUIZA BELLACOSTA - Atriz formada pela UNB, palhaça e produtora cultural. Tem especialização em palhaçaria clássica pela École de Clown et Comédie Francine Cotê, de Montreal. Fundadora do “Cabaré da Nega” e integrante da Andaime Cia de Teatro, Cia Colapso e Pirilampo Teatro de Bonecos e Atores, atua no cenário cultural há 20 anos. Produz e participa de diversos festivais de circo e teatro no Brasil e no Mundo. Participa do Coletivo Laboratório de Palhaças e Palhaços. Em 2019 foi ganhadora de 4 prêmios de melhor cena curta com sua Palhaça Madame Froda em diferentes festivais. Atualmente tem sua pesquisa voltada para a comicidade negra, revisão de conceitos de gênero e raça na construção do humor e milita pela importância do protagonismo negro em festivais de circo, além de fazer parte do Quilombo Beijamim de Oliveira, um coletivo de palhaces pretes.

Direção e atuação: Ana Luiza Bellacosta

Duração: 10min

Classificação indicativa: Livre

Um grupo de acrobatas, vestidos de branco e com os braços amarrados às costas, personificam loucos tentando escapar de um manicômio. Encontram um balão de ar quente e decidem desafiar todas as regras para fugir. Eles checam a ignição dos queimadores, o balão se inflando, tudo é pretexto para o desdobramento de um universo incrível de jogos burlescos. Sem utilizar acessórios conhecidos, manipulam cilindros de gás, pranchas de madeira e até uma mini escavadeira neste jogo absurdo.

CIRQUE INEXTREMISTE – Sediado na cidade de Vendée, foi criado em 1998, sob o nome de As Pas de Maïoun. Rapidamente o grupo adquiriu uma lona e passou a criar espetáculos que misturavam dança, artes da rua e música. Em 2007, nasceu o espetáculo “Inextremiste”, criado em torno de um trampolim e usando botijões de gás. Dois anos depois, a companhia mudou de nome e os botijões de gás tornaram-se sua marca registrada. Seus trabalhos misturam riscos reais e muito humor. Atualmente, o grupo tem 35 integrantes e se apresenta por cidades de vários países.

Direção: Yann Ecauvre

Elenco: Yann Ecauvre (piloto), Julien Favreuille (acrobata), Laurent Mollon (comediante, acrobata, piloto), Etienne Cordeau (acrobata), Anicet Leone (acrobata), Sage Lazar (comediante, acrobata)

Figurinos: Solenne Capmas

Técnica: Bastien Roussel

Desenho de luz: Jacques Bouault e Jacques Benoît Dardant

Desenho do balão: Bérengère Giaux

Duração: 25min

Classificação indicativa: Livre

O doc-performativo apresenta o registro de quatro anos de processo para estrear um solo. Os obstáculos enfrentados: uma filha no hospital, uma turnê de um ano, uma separação e a pandemia. O formato audiovisual condensa os solos “Cucaracha”, “Febre” e “Solos para um Corpo em Queda”, com imagens e áudios captados entre 2018 e 2021 e organizados, editados e recriados em vídeo por Joy Ballard.

TATIANA BITTAR - Performer e diretora. Entre 2018 e 2019, esteve em residência no Programa Avançado de Criação em Artes Performativas, em Lisboa, com foco na pesquisa e experimentação de material coreográfico. Em 2020, fez residência no estúdiofitacrepe, em São Paulo. Atualmente trabalha com performance na rua e em espaços não convencionais e também para a primeira infância, com a Andaime Cia de Teatro e o Coletivo Antônia.

Concepção: Tatiana Bittar

Performers: Tatiana Bittar e Joy Ballard 

Direção e Criação: Joy Ballard e Tatiana Bittar

Montagem e edição: Joy Ballard

Arte Gráfica: Maíra Zannon

Imagens: Tatiana Bittar e Forum Dança

Textos: Tatiana Bittar, Camila Morena da Luz, Fragmentos retirados do filme 'Insolação', de Felipe Hirsch e Daniela Thomas; Fragmentos retirados da Revista Amarello 36 - Ano XI - O Masculino - Artigo: ‘Em queda livre’, por Luísa Horta;  Fragmentos retirados do livro ‘Los condenados de la pantalla’, de Hito Steyerl.

Imagens realizadas em Portugal, França e Amsterdã durante residência no Forum Dança - 2018/2019; Uruguai durante residência NIDO em Campo Abierto – 2019; 40 cidades brasileiras durante turnê pelo SESC Palco Giratório com o Coletivo Antonia – 2019; São Paulo/SP em residência no Estudio Fitacrepe – 2020; Brasília/DF - 2019 a 2021

Esse projeto tem o apoio do edital Conexão Cultura - 2018/Fundo de Apoio à Cultura/Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Distrito Federal.

Duração: 10 minutos

Classificação etária: 18 anos

Uma experimentação cênico-virtual onde duas atrizes exploram potencialidades e meios de interação não-presenciais. 'Em um mundo distópico, de humanidades frágeis, duas presenças desafiam as possibilidades de conexão. A distância, os afetos, os corpos, os desejos, a companhia e a vida parecem reticências. No fundo, ninguém sabe o que está por vir. Amar pode ser um ruído.' O espetáculo foi filmado durante o isolamento social do Covid 19 e gravado com Renata Soares ao vivo dos Estados Unidos. O projeto foi idealizado por Renata Soares, Monica Nassar e Beta Rangel a fim de estimular o teatro em uma nova perspectiva tecnológica, explorando outras formas narrativas, com base na relação entre arte, virtualidade, comunicação e tecnologia. 

JONATHAN ANDRADE - Escritor, ator, diretor, dramaturgo, cenógrafo, figurinista e bacharel em Artes Cênicas, com habilitação em Interpretação Teatral, pela Universidade de Brasília. É integrante fundador do Grupo Sutil Ato, coletivo de teatro que atua no mercado profissional do DF e nacional há 14 anos. Em sua trajetória, dirigiu 26 espetáculos, recebendo prêmios com dramaturgias, cenografia e espetáculos. Atuou como professor da Faculdade Dulcina de Moraes, onde também foi coordenador pedagógico dos cursos de Licenciatura e Bacharelado em Artes Cênicas, entre 2009 e 2013. Desde 2014 integra o Aisthesis, coletivo multilinguagem (dança, teatro, audiovisual e performance), a partir de encontros de cocriação e experimentação de linguagens.

BETA RANGEL - Atriz, roteirista, produtora e arte-educadora. Graduada em Artes Cênicas pela Faculdade de Artes Dulcina de Moraes, também estudou teatro de grupo no Instituto Nacional de Artes Dramáticas, na Austrália. É cofundadora do Coletivo Esperanza e integrante da Estupenda Trupe. Entre seus principais trabalhos estão espetáculos como “Provável Paraíso Perdido”, do coletivo Esperanza, 2º lugar no Prêmio Web de Teatro 2019; “Levante-se”, com direção de Rosana Viegas, 1º lugar no Prêmio Web de Teatro 2019; e “As ridículas de Molière”, direção de Miriam Virna, prêmios de melhor espetáculo, direção e trilha sonora no Prêmio Sesc Candango 2008. Recebeu prêmios de melhor atriz pelo filme “Quando as janelas não são uma opção”, de Tiago Nery, nos festivais Five Continents Film Festival e Independent Short Awards. 

RENATA SOARES – Atriz formada em Artes Cênicas pela Universidade de Brasília e pelo Conservatório de Interpretação do William Esper Acting Studio em Nova York. Além de atuar, Renata trabalha em teatro e cinema como produtora, diretora, coreógrafa de luta e coordenadora de intimidade cênica. Entre seus últimos trabalhos internacionais estão “Savana Glacial” de Jô Bilac, com direção de Marina Montesanti, apresentado no NY Fringe Festival, “The Good Soul of Setzuan” de Bertolt Brecht, dirigido por Jim Niesen com a companhia Irondale Ensemble Project em Brooklyn/NY e “Grand Opera Publique”, vencedor do melhor espetáculo no Festival AgitÁgeda em Portugal. Em 2019, dirigiu a primeira montagem internacional do musical brasileiro “Cargas D’água”, de Vitor Rocha, em Nova York.

Direção Cênica: Jonathan Andrade

Iluminação e projeção: Moisés Vasconcelos

Atrizes: Renata Soares e Beta Rangel

Cenografia e Produção Executiva: Monica Nassar

Produção: Agilizadxs produções

Cinegrafia e montagem: André Carvalheira (Xará)

Trilha sonora original: Felipe Viegas

Cenotécnico: Erick Porto

Assistente de iluminação: Julia Maria

Assistente de cenografia e produção: Agda Couto

Animação de vídeo: Apt7 Filmes

Produção: Espaço F/508 de Cultura

Patrocínio: Funarte

Duração: 40min

Classificação indicativa: 12 anos

Espetáculo que se inspira nas palavras de Marshall McLuhan que, entre finais de 1960 e começo de 1970, afirmou: “a grande poesia da nossa época é o rock. (...) Nunca se assistiu a um tal renascimento poético desde Homero. É o reencontro planetário”.

Partindo da obra “Estro in Watts – Poesia da Idade do Rock”, de João de Menezes-Ferreira, o trabalho apresenta o rock como expressão poética, que grita na esfera pública e reflete sobre temas como morte, guerra, amor, solidão, opressão. Pesquisando os poemas desse estilo musical – entre 1950 e 1980 -, o espetáculo ressalta a poesia presente em composições assinadas por grandes artistas como Bob Dylan, Patti Smith, Johnny Rotten, Jim Morisson, Jimi Hendrix, Janis Joplin, Leonard Cohen, Lou Reed e muitos outros, apresentando um verdadeiro painel do mundo ocidental no século 20.

* para acompanhar o espetáculo sugerimos baixar o libreto aqui.

TEATRO EXPERIMENTAL DO PORTO – Mais antiga companhia de teatro profissional em atividade em Portugal, foi criada em 1950 e estreou seu primeiro espetáculo, em 1953, dirigido por António Pedro, que ficou na direção artística do grupo até 1960. O grupo foi distinguido com medalhas de ouro pelas câmaras de Vila Nova de Gaia e do Porto. Atualmente, a companhia é dirigida por Gonçalo Amorim.

Projeto de: Gonçalo Amorim e Paulo Furtado

Tradução dos poemas e acompanhamento historiográfico: João de Menezes-Ferreira

Encenação e concepção: Gonçalo Amorim

Direção musical e concepção: Paulo Furtado

Música Original: The Legendary Tigerman

Assistência de encenação: Patrícia Gonçalves

Intérpretes: Ana Brandão, Diana Narciso, Hugo Inácio, Iris Cayatte, Pedro Almendra, Pedro Galiza, Susie Filipe

Artista convidado: Filipe Rocha

Cenografia e figurinos: Catarina Barros

Assistência de figurinos e cenografia: Susana Paixão, Cristóvão Neto

Desenho de Luz: Nuno Meira

Desenho de som: Guilherme Gonçalves

Vídeo: Luísa Sequeira

Registo de vídeo a-tundra: Teatro Municipal do Porto

Produção: Teatro Experimental do Porto

Coprodução: Teatro Municipal do Porto

Duração aproximada: 90min

Classificação indicativa: 12 anos

O TEP é uma estrutura financiada pelo Governo de Portugal/Ministério da Cultura/Direção-Geral das Artes e apoiada pelo Câmara Municipal do Porto. Estrutura residente no Teatro Campo Alegre, no âmbito do programa Teatro em Campo Aberto.

Um grupo de pessoas com Síndrome de Down toma a cena para compartilhar seus anseios e frustrações através de uma livre adaptação de “Hamlet”, de William Shakesperare. O resultado é um tecido entre a tragédia shakespeariana e a vida dos atores e parte de uma pergunta: ser ou não ser? O que significa ser para pessoas que não encontram espaços onde são valorizados? Historicamente consideradas uma carga, as pessoas com Síndrome de Down questionam: que valor e que sentido têm suas vidas num mundo em que a eficiência, a capacidade de produção e modelos inalcançáveis de consumo e beleza são o paradigma?

TEATRO LA PLAZA – Espaço de criação teatral que investiga e interpreta a realidade para construir um ponto de vista crítico que dialogue com a comunidade. Foi criado em 2003, encena textos de jovens dramaturgos e apresenta adaptações contemporâneas de obras clássicas. Em 2013, criou o programa Sala de Parto, visando estimular a produção dramatúrgica peruana.

Dramaturgia e direção geral: Chela De Ferrari 

Codireção e assessoria de dramaturgia: Claudia Tangoa, Jonathan Oliveros y Luis Alberto León 

Elenco: Octavio Bernaza, Jaime Cruz, Lucas Demarchi, Manuel García, Diana Gutierrez, Cristina León Barandiarán, Ximena Rodríguez e Álvaro Toledo 

Treinamento vocal: Alessandra Rodríguez 

Coreografia: Mirella Carbone 

Visagismo: Lucho Soldevilla 

Desenho de iluminação: Jesús Reyes 

Produção: Siu Jing Apau 

Duração: 95min

Classificação indicativa: 12 anos

Dois personagens entregues à própria sorte dialogam à espera de um ser misterioso que nunca aparece. Adaptado do clássico homônimo de Samuel Beckett e filmado em dois distintos ambientes o filme/peça apresenta questões filosóficas sobre a condição humana onde o tempo existe como eternidade imóvel, desafiando o espectador a lidar com a inércia das ações e com as reflexões existenciais apresentadas pelos personagens. 

Projeto contemplado pelo Prêmio Funarte Festival de Teatro Virtual 2020.

WILLIAM FERREIRA - Bacharel em artes cênicas pela UnB, diretor, ator, performer, bailarino profissional além de atuar como cenógrafo e figurinista. Atuou com renomados mestres de dança e teatro no Brasil e no exterior. Como ator, trabalhou sob direção de Mathew Lenton (Escócia), Hugo Rodas (Companhia dos Sonhos), Marcelo José (Portugal), Paul Heritage (Inglaterra), Adriano e Fernando Guimarães (Companhia Gabinete 3), Miriam Virna, Guilherme Reis (Grupo Cena) e muitos outros em 32 anos de carreira. Atua em novelas, minisséries e no cinema. Dirigiu espetáculos premiados como “Cartas de um Sedutor”, “Cabaré das Donzelas Inocentes”, “A Obscena Senhora D” e “A Caixa de Aila”.  

Texto: Samuel Beckett

Coprodução: Diego Borges, Claraboia Filmes e Guinada Produções

Direção: William Ferreira

Atuação: André Araújo, Diego Borges, Marcelo Pelucio, Roberto de Martin e Rodrigo Lélis

Direção de Fotografia: Danilo Borges

Direção de produção: Guilherme Angelim (Guinada Produções)

Filmagem, Edição e Finalização: Clarabóia Filmes

Produção Administrativa: Diego Borges

Assistência de Direção: Roberto de Martin

Som Direto: Danilo Araújo

1° Assistente de Câmera: Dammer Martins

2° Assistente de Câmera: Guilherme Rocha

Iluminação Cênica: Marcelo Augusto

Direção de Arte: Rachel Mendes e William Ferreira 

Contra-regragem: Pablo Magalhães

Tradução em Libras: Tatiana Elizabeth

Adaptação: Diego Borges, Rachel Mendes, ROberto de Martin e William Ferreira

Música - Samba Pagodo: André Araújo

Música Final: Doris Day – discoalto

Cozinheira: Lea Abade

Realização: Funarte, Secretaria Especial da Cultura,  Ministério do Turismo e Governo Federal

Duração: 74min

Classificação indicativa: 12 anos

Transitando entre a performance e o documentário – na medida em que ambos trabalham com um tratamento criativo da realidade – a obra propõe uma reflexão sobre a perda da voz: o silêncio herdado, a memória, o luto, as migrações que nos levam a retornar. Por que é tão difícil para nós levantar a voz? O que gera esse silêncio? Por que nos calamos como sociedade? Através de uma narração poética e sutil, e de relatos aparentemente familiares, Diana Daf convida o espectador a transitar na busca da origem de nossos próprios silêncios e questiona a urgência que há de um processo de reparação, de cura coletiva. 

DIANA DAF COLLAZOS – Realizadora audiovisual, artista multidisciplinar e gestora cultural peruana, é bacharel em Ciências e Artes da Comunicação, com especialização em artes cênicas. Desde 2005, trabalha o corpo como matéria viva para gerar e transmitir memória. Seus trabalhos entrelaçam diferentes linguagens como performance, fotografia, instalação, videoarte e documentário. Seu primeiro longa documentário em codireção, “Círculo de Tiza”, foi escolhido melhor filme peruano no Festival de Cine de Lima 2020. É gestora e fundadora de elgalpon.espacio, lugar de formação, gestão e difusão de arte contemporânea.

Gestora e performer: Diana Daf Collazos

Produção: Diana Castro

Assistência dramatúrgica: Miguel Rubio Zapata

Realização de vídeos: Carlos Sánchez e Diana Daf

Manager técnico: Igor Moreno

Som: José Carlos Valencia

Música: Erick del Aguila

Duração: 60min

Classificação indicativa: 12 anos

O filho de Ana tem câncer. Ela não pode custear outro tratamento, mas também não pode deixar que seu filho morra. O que está disposta a fazer para salvá-lo? Até onde pode chegar e até que ponto somos capazes de entendê-la? Como vamos defendê-la quando se tornar perigosa para as outras pessoas, quando se voltar perigosa para a morte? “Ana contra la muerte” é a história de uma mulher que entendeu que se deve resistir à morte de todas as formas possíveis e um pouco mais além. O texto dá sequência aos temas que marcam a obra de Calderón: a família, a violência, a morte.

GABRIEL CALDERÓN – Dramaturgo, ator e diretor nascido em Montevideo e ativo no teatro uruguaio desde 2001, quando seu primeiro espetáculo, “Más vale solo”, foi premiado. Desde então, já escreveu mais de 30 obras, apresentadas na América Latina, Europa e Estados Unidos. Em 2004, conquistou todos os principais prêmios teatrais do Uruguai com “Mi muñequita (la farsa)”, considerado um dos mais influentes textos do teatro no país no século XXI. Recebeu duas vezes o Premio Nacional de Literatura de Uruguay, em 2011 por “Mi pequeño Mundo Porno” e em 2016 com “Tal vez la vida sea ridicula”. Sua obra já foi traduzida para vários idiomas e se tornou um expoente do teatro contemporâneo latino-americano. É o primeiro autor uruguaio a estrear no Teatro Nacional de Catalunha e no Teatro Nacional de Modena.

• A obra será exibida também no domingo, dia 11/7, das 17h às 23h.

Autoria e direção: Gabriel Calderón

Assistência de direção: Elaine Lacey

Elenco: Gabriela Iribarren, Marisa Bentancur, María Mendive

Desenho e realização de cenografia e iluminação: Lucía Tyler, Matías Vizcaíno, Miguel Robaina Mandl

Figurinos: Virginia Sosa

Fotografia: Pia Galvalisi

Produção geral: Bruno Gadea

Produção e circulação internacional: Matilde López Espasandín

Assistência de produção: Vladimir Bondiuk

Duração: 60min

Classificação indicativa: 12 anos

Distribuição internacional